Le phénomène prend une extension européenne. Au même moment apparaissaient en Allemagne, d'abord à Dresde puis se propageaient à Munich, avec la participation de peintres slaves, coloristes spontanés, des mouvements analogues, mais de tendance expressionniste. Aboutissement d'une importante phase préparatoire, le paroxysme collectif du fauvisme ne pouvait se maintenir longtemps sur sa plus haute tension, et d'autres forces se faisaient jour, mais il avait engagé, sur le plan psychique et optique, le destin de l'art présent, son subjectivisme et sa liberté totale. Le nom de fauve a été trouvé lors du Salon d'Automne de 1905. Celui ci fut prononcé pour la première fois par Louis Vauxelles, critique d'avant garde au Gil Blas. La sculpture, moins offensive, avait été disséminée au hasard; apercevant au milieu de la salle centrale ou hurlaient justement si fort les couleurs stridentes de ceux que l'on nommait encore les "incohérents" ou les "invertébrés" un torse d'enfant et un buste de femme, à la manière florentine, d'Albert Marque, il s'écria, prenant Matisse à témoin: "Donatello chez les fauves!" Rapporté dans le Gil Blas du 17 octobre, le mot fit rapidement fortune et se généralisa. Comme pour l'impressionnisme et le cubisme, la qualification qui désigne le mouvement est accidentelle, venue de l'extérieur, étrangère à ses fondateurs, évocatrice uniquement de sa virulence et du choc contemporain, nullement de son processus et de sa signification. Le cubisme - analyse de la forme et différenciation objective de l'espace - est à son départ la conquête simultanée de deux génies opposés et complémentaires, enrichis de leurs dons mutuels, et liés à leur effort, selon l'expression de l'un d'eux, passé d'ailleurs par le fauvisme, comme "la cordée en montagne". Il est possible d'en fixer l'origine précise et d'en suivre aussitôt pas à pas, au moins jusqu'en 1914, la progression méthodique. Le fauvisme - jaillissement de la couleur et possession subjective de la surface - dont la cohésion est moindre en raison même de son caractère passionnel, du nombre et de l'inégalité de ses participants, n'offre pas le même aspect soudain et régulier. Il se développe moins par approfondissement organique que par élargissement successif, résulte d'une série d'explosions d'abord discontinues, intermittentes, qui finalement convergent et s'embrasent en brève et somptueuse flambée.
VAN GOGH : un des précurseurs du mouvement fauviste
Les mangeurs de pommes de terre les visages sont illuminés. Celui-ci joue énormément sur la notion de clair obscur. Il n'hésite pas à utiliser du noir, ce qui n'était pas courant chez les impressionnistes qui considéraient que cette teinte n'était pas une couleur. Van Gogh commençait donc déjà à se différencier des peintres de son époque. La révélation du pouvoir de la couleur se fera surtout à Paris, notamment grâce à l'intérêt qu'il porte aux estampes japonaises. Dès Anvers, Van Gogh découvre les valeurs symboliques que peuvent avoir les tons. En effet, Vincent appellera le cobalt une couleur divine, pour lui le carmin est chaud... Contrairement à l'enseignement impressionniste que celui ci a reçu aux beaux arts, il s'intéresse au milieu des formes plutôt qu'à leur contour. Pour éviter le détournement de l'attention au seul profit des lignes, il colore celles ci, il grossit la touche.
Il est évident que la lumière, et donc le soleil exerce une certaine fascination sur Van Gogh. Le jaune sera donc présent dans la plupart des oeuvres de ce dernier. Il y aura même des tableaux où cette couleur prédomine. La peinture la plus célèbre est certainement Les tournesols peints en 1888 pour décorer la chambre du peintre. Vincent fera plusieurs représentations de tournesols. Le choix de cette fleur peut tout simplement se justifier par sa couleur. La Maison de Vincent à Arles ou La maison jaune, comme cette deuxième appellation l'indique, est aussi composée en grande partie par la teinte du soleil. 
L'Arlésienne, qui est madame Ginoux, pose sur un fond jaune. L'utilisation exclusive de cette couleur est fort originale pour cette fin de siècle. Celle-ci est un symbole de vie pour Van Gogh. Pour l'emploi de la couleur représentative du soleil, il est fort intéressant de revenir quelques années en arrière à Paris. En effet, les Livres peints en 1886 sont remarquables. Il s'agit d'une nature morte représentant un amas de livres. Ces derniers sont jaunes et oranges, de même que le mur du fond est jaune. Il faut surtout souligner que l'ordre plastique est fait de telle manière que lorsque l'on regarde la toile, on pourrait presque penser à une peinture abstraite. Il s'agit là certainement d'une des oeuvres de Van Gogh qui se rapproche le plus de l'art moderne. C'est une des toiles les plus audacieuses de Vincent. Il faut retenir que tous les tableaux présentés précédemment ont une intensité lumineuse stupéfiante. certains, tels que la Maison de Vincent à Arles où les Livres sont presque plus violents que les oeuvres fauves. Dans le 
Café de nuit, le jaune est fortement présent, mais du point de vue coloriste ce tableau a d'autres atouts. Notons d'abord pour mieux comprendre les tons ce que Vincent dit à propos de ce café : "Dans mon tableau du café de nuit, j'ai cherché à exprimer que le café est un endroit où l'on peut se ruiner, devenir fou, ou commettre des crimes". On peut voir que dans ce café, les murs sont rouges et le plafond vert. La proximité de ces deux couleurs est représentative des terribles passions humaines qui sont présentes en ce lieu.
La chambre à coucher de Van Gogh à Arles peinte en 1889 est aussi intéressante. Il y a ici un soucis d'organisation plastique, de construction par la couleur. Vincent écrira à Théo : "C'est cette fois-ci ma chambre à coucher, seulement la couleur doit ici faire la chose, et en donnant par sa simplification un style plus grand aux choses, être suggestive du repos où du sommeil en général. Enfin la vue du tableau doit reposer la tête ou plutôt l'imagination". Van Gogh veut ici développer la signification des couleurs, et le sentiment que celles-ci peuvent dégager. Dans cette oeuvre, le bleu et le jaune prédominent. Le bleu donne une sensation de paix et de repos, alors que le jaune au premier plan évoque la vie et l'espoir.La peinture, à partir de Van Gogh, sera cette folie sublime qui transcendera le monde en une épopée flamboyante et donnera aux couleurs portées à leur paroxysme des significations jusque là ignorées. Mais en 1963 un jeune peintre de quarante ans, Carrade, pourra encore dire : "La couleur est un problème inconnu. Je crois qu'il sera possible de trouver des accords qui tuent ou qui pourront guérir". Vincent appelant à lui "la couleur suggestive", désirait "exprimer l'amour de deux amoureux par le mariage de deux complémentaires" ; à ses yeux le rouge était un excitant du vice, le jaune un stimulant de la bonté.
Dans de nombreuses lettres Vincent est souvent revenu sur le fait que la peinture peut non seulement susciter des sensations, des idées, mais avoir, à travers les couleurs, une valeur morale ; la puissance émotive et expressive qu'il donne à chaque ton sera, par le choc brutal produit sur les nerfs du spectateur, une des sources de l'art moderne. Inconnu ou presque jusqu'à l'exposition chez Berheim, Van Gogh sera, en quelque sorte, non l'initiateur mais le révélateur de la couleur : il poussera à leur maximum d'intensité paroxystique les tendances, les besoins existant déjà et il les liera en gerbes de flammes. Il est également intéressant de noter que lorsque Van Gogh, dans ses lettres, désigne les maîtres coloristes dont il s'inspire, ce sont, outre les impressionnistes et les japonais, Narcisse Diaz, Félix Ziem et Monticelli. Ce dernier, par son baroquisme flamboyant aux audaces d'or et de feu, représentait une forme d'expressionnisme méridional dont Matisse avait éprouvé, mais directement sur le motif, la violence colorée. Pourtant, lorsque Valtat à Arcachon, en 1894, à Collioure et Banyuls l'année suivante puis à partir de 1897-1898 sur la côte d'azur et en Italie emploie, comme Matisse et Marquet, le ton pur; lorsque Vlaminck et Derain font la même chose à Chatou, accusant et simplifiant les plans, poussant jusqu'à l'outrance le rouge et le bleu ; lorsque Van Dongen, arrivé de sa Hollande natale, s'inspire du chromatisme primaire des affiches, ce n'est pas à Van Gogh qu'ils doivent la passion spontanée de la couleur, mais pour certains au fameux "Talisman", ce tableautin violemment polychrome exécuté par Sérusier sous la direction de Gauguin dans le Bois d'Amour de Pont Aven, pour d'autre à l'enseignement de Gustave Moreau, pour d'autre encore à l'influence de Matisse avec qui s'étaient liés d'amitié avec Vlaminck et Derain, à ces courants souterrains, indéfinissables, dont les forces instinctives poussent plusieurs artistes, sans liens apparent entre eux, vers les mêmes voies.
Le Cubisme
